26.- { Eliseo Diego ~ Poema }

¿Cómo leer en bicicleta?
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¿Cómo leer en bicicleta?
domingo 16 de mayo de 2010 \ México \ Año 1 \ No.26

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< El amor es el único sentimiento sobrenatural que se origina en el ámbito de lo estrictamente natural. ~Elizondo, Salvador >

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Irma Munguía Zatarain, Gilda Rocha Romero, Diccionario Antológico de Aforismos, México: Universidad Autónoma
Metropolitana-Iztapalapa,

2007, 440 p.p.

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me gusto el poema de Yañez y el documento sobre el microrelato

en general toda la revista.

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MUY BUENO, ME GUSTA MUCHO LOS ENVIOS………GRACIAS , SIGAN ENVIANDO

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https://i2.wp.com/galeon.com/comoleerenvicicleta/gifs_01/067.gifMaria Cristina Drese

poeta del mundo

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Mi nombre es Marcelo Fernandes y soy argentino. Siempre
recibo sus mails.




Hace un mes saqué un libro de poesías, tirada de 200
ejemplares, y querìa mandarles el link de

su versión digital. Si pueden colgarla
de su mail, excelente!



http://libros.casaeolo.com/books/soledad-un-libro-de-poesia-y-otras-apreciaciones


¿Por qué hay algo y no más bien
nada?
(www.movimientoamplio.blogspot.com)

https://i2.wp.com/galeon.com/comoleerenvicicleta/gifs_01/067.gifMarcelo Fernande

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ahola hermanos me presento ,soy artista plastico autodidacta,tengo 40 años y estube viviendo en colombia un tiempo,siguiendo de cerca el estilo y tipo de arte que quiere reinar en america latina despues de ver muchass exposiciones de arte vienales ,salid ecolombia hace dies años ,desde luego hice alli algunas obras subrealistas como eld escubrimiento de america,yunas cuantas mas que no encajan con los estilos europeos ,somos andinos por lo tanto laspropuestas son de origen andino ,vivo recorriendo sur america y desde luego estudiandoles mucho los templos sagrados de nuestros hermnaos mayores ,de peru ecuador bolivia argentina paraguay,chile uruguay,brasil,ahora estoy viviendo en bolivia por un tiempo por que esoy relacionado con una comunidad o ayllu de potoci llamado toropalca es uan comunidad originaria delas cuales se conocen sus rituales y cultura ,misueño es ahora en unos mese estar en mexico esta cuna de cultura y lus espiritual que legaron nuestros hermanos mayores ,les pediria le fabor quisiera gentionar una visa cultural por medio de alguna escuela de arte para poder llevar unas obras delos andes y aci seria mas  facil ingresar a tu pais ,le spido el fabor me comuniquen con concursos de arte aviertos para extranjeros ,y la maravilla de conocer este pais ,entonces me despido de nuestros hermnaos,mexicanos y su proto saludo fraternal kjallala hermanos ,as atte julio cesar ramirez camelo de colombia

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julio cesar ramirez camelo

ver

Todo se escucha

en el silencio


Alain Derbez

Todo se escucha en el silencio fue, además de un programa que por años hice en Radio Educación, un libro que, con portada original de Jazzamoart, publiqué en 1987. Editado por las universidades de Zacatecas y Sinaloa y la independiente Alebrije, estaba compuesto por una selección de poemas y fragmentos de narrativa escritos sobre, desde o alrededor del blues y el jazz y sus creadores. El tiraje de mil ejemplares se agotó, ya adquirido de mano en mano, ya vendido después de los recitales poético-musicales que, acompañando mi voz, saxofón y armónica, con distintos compañeros jazzistas (Hector Infanzón al piano, Emiliano Marentes o Manuel Viterbo a las guitarras, Agustín Bernal o Juan Cristóbal Pérez Grobet al contrabajo, Toni Cárdenas o Hernán Hecht a la batería, etcétera), dimos por México y Canadá. Casi todos los textos fueron escritos por autores hispanoamericanos.

Con Carol Dunlop, compañera de Julio Cortázar y coautora con él de Los autonautas de la cosmopista -libro del cual tomé el fragmento que habla, entre otros, de los pianistas estadunidenses Jelly Roll Morton (1885-1941), Fats Waller (1904-1943) y Duke Ellington (1899-1974)-, las únicas excepciones fueron la japonesa-canadiense Kasuko Shiraishi (1931) con el poema “Mi Tokio” -traducido por Atsuko Tanabe y Sergio Mondragón- en el que se menciona al baterista afroamericano Max Roach (1924-2007) (“Oh lluvia de sonidos en la cima del arte”) y el senegalés Leopold Sedar Senghor (1906-2001) y su poema “A Nueva York” -traducido por Miguel Ángel Flores (“Dios que con una risa de saxofón creó el cielo y la tierra en seis días”).

Decidí entonces que esa literaria historia para ser oída se acomodara con laxo criterio cronológico y estilístico comenzando con blueseros como la cantante Bessie Smith (1898-1937), los cantantes y guitarristas presentes alguna vez en México B.B.King (1925), Muddy Waters (1915-1983), John Lee Hooker (1917-2001) y Jimmy Rogers (1924-1977) y el bajista cantante Willie Dixon (1915-1992), quien también hizo temblar en desenfreno al público chilango. Los textos son, entre otros, de poetas como Efraín Huerta (1914-1982), José Carlos Becerra (1936-1970), Miguel Ángel Galván, Víctor Manuel Cárdenas, Herman Efraín Bartolomé, José de Jesús Sampedro y Sergio Mondragón. Luego del blues sigue el leído concierto con las primeras expresiones y los protagonistas del jazz que hemos, por pronta convención, de llamar clásico. Aquí, en escritos de Cortázar, del narrador Juan Gerardo Sampedro, Carlos Fuentes, Alejo Carpentier, el catalán Salvador Espriú o el poeta chihuahuense-michoacano Gaspar Aguilera, hallamos nombres que van de Jelly Roll, Satchmo (1910-1971) y Fats Waller a Duke Ellington y el vibrafonista Lionel Hampton (1909-2002). Están ahí también, mencionados lo mismo por Fernando del Paso que por el estriden-tista Kin-Ta-Ni-Ya, el defeño Carlos Chimal, los españoles J.M. Alvarez y Félix Grande, el chileno Antonio Skármeta, el poeta mexicano Samuel Walter Medina o la peruana Blanca Varela (1926-2009), los nombres de los saxofonistas Ben Webster (1909-1973), Lester Young (1940-1979) y Johnny Hodges (1907-1970), las cantantes Billie Holiday (1915-1959) y Ella Fitzgerald (1918-1996) y el baterista estadunidense Kenny Clarke (1914-1985).

Tras ello viaja el lector desde la literatura al bebop, al cool y a sus alrededores: los saxofonistas Charlie Parker (1920-1955), Gerry Mulligan (1927-1996), Cannonball Adderley (1928-1975) o Yusef Lateef (1920), los trompetistas Dizzy Gillespie (1917-1993) y Miles Davis (1927-1996), el contrabajista Charlie Mingus (1922-1979), el pianista Thelonious Monk (1917-1982), en líneas melódicas y estructuras armónicas de Cortázar, su compatriota Néstor Sánchez, el panameño Roberto Fernández Iglesias, el chileno Hernán Lavín Cerda, el colombiano Eduardo García Aguilar o los mexicanos Paco Ignacio Taibo II, Jaime Augusto Shelley y Héctor Manjarrez.

Accedemos finalmente a John Coltrane (1926-1967) mediante “lenta catarata en ascenso hacia la brisa”, en palabras deJ.G.Cobo Borda, al free jazz, con un ilustrativo epígrafe tomado de José Emilio Pacheco: “No son la música del pasado, son el estruendo”. Vienen escritos de Jomi García Ascot, Chimal, Evodio Escalante, la poeta Marcela Campos, etcétera, que citan a los saxofonistas Ornette Coleman (1930), Archie Shepp (1937) y Eric Dolphy (1928-1964), a los pianistas Sun Ra (1914-1993) y Amina Claudine Myers (1943) y al argentino Leandro Gato Barbieri (1934), uno de los pocos jazzistas nacido al sur del Bravo cuya presencia al sax inspira a los antologados. Al final, tras leer un poema sobre el pianista Keith Jarret (1945) de Mónica Mansour y otro sobre el saxero noruego Jan Garbarek (1947), escrito por el también saxofonista mexicano Alejandro Folgarolas, del capítulo 17 de la Rayuela de Cortázar es que tomo la (nunca) conclusión: “Y el jazz es como un pájaro que migra o emigra o inmigra o transmigra, saltabarreras, burlaaduanas, algo que corre y se difunde (…) es inevitable, es la lluvia y el pan y la sal, algo absolutamente indiferente a los ritos nacionales, a las tradiciones inviolables, al idioma y al folklore: una nube sin fronteras, un espía del aire y del agua, una forma arquetípica, algo de antes, de abajo…”

Un par de décadas luego de aquella edición he preparado, ampliada, otra antología de la cual di noticia hace un lustro en la revista Tierra Adentro. Es ésta compilación una revisada edición bilingüe español-inglés. Sobra decir que en este último idioma muchos son los autores, en especial afroamericanos, que se han aproximado al blues y al jazz. Rápidos botones de muestra enarbolables, desde la reivindicación de la negritud, son, además de los lógicos nombres de Langston Hughes (1902-1967), Richard Wright (1908-1960), Ralph Ellison (1914-1994) y James Baldwin (1924-1987), el del poeta, dramaturgo y crítico Amiri Baraka, el de la poeta, narradora y cantante Maya Angelou, que escribió “Sé por qué canta el pájaro enjaulado”, el del autor deHomewood Blues (novela originalmente publicada como Sent for you Yesterday) John Edgar Wideman (1941), el de Walter Mosley, autor de la novela RLZs Dream (en castellano llamada El blues de los sueños rotos), el de la poeta pianista Amina Claudine Myers, el del poeta, dramaturgo y músico Archie Shepp y el de la narradora Toni Morrison, ganadora del Nobel en 1993, que vino a México tiempo después y con quien tuve la oportunidad de charlar sobre este proyecto.

Julio Cortázar (1914-1984)

La relación blues-jazz-literatura es más que clara desde los años veinte -en 1926 aparece el primer poemario de Langston Hugues, The Weary Blues-, pero es a fines de los cincuenta y en los sesenta, cuando surge una nueva actitud de los propios creadores afroamericanos ante el nacionalismo negro, ante la negritud, que las figuras del jazzista y del bluesero cobran un distinto significado. Por su genio, su espontaneidad, su talento natural, su inatrapable capacidad de improvisación tanto en la música como en la vida, el creador de jazz como personaje literario se convierte en algo que se contrapone al arquetipo del engañado, manipulado clasemediero trepador cuyas aspiraciones son las de pasar desapercibido en lo que se puede acomodar, con enormes sacrificios, en los rincones que le da el american way of life. El bluesero, por su parte, es reivindicado como la figura portavoz de la memoria colectiva, de la sabiduría popular, el folclor negro jamás arrebatado a pesar de todos los embates. Maya Angelou escribió: “Si fuéramos un pueblo más dado a revelar secretos, levantaríamos monumentos y celebraríamos sacrificios de nuestros poetas, pero la esclavitud nos curó esa debilidad. Sin embargo, será suficiente decir que sobrevivimos, en exacta relación con la dedicación de nuestros poetas (incluyendo predicadores, músicos y cantantes de blues)”.

No exagero si afirmo que abrevar en la literatura de Baldwin, Wright, Ellison Melvin Kelley o John A. Williams, es una experiencia paralela a la de empaparse con la polirritmia de Sun Ra, Bill Dixon (1925), Ornette, Cecil Taylor (1933), Albert Ayler (1936-1970) y los demás protagonistas negros del jazz de improvisación libre y colectiva surgido a partir de la revisión y reivindicación de papel del afroamericano en la historia de la cultura popular estadunidense (tema que tocado es, desde Canadá, por Ajay Heble enAterrizar en la nota equivocada, libro que este 2010 publicará la Universidad Veracruzana). La reacción, acaso sin tal toma de distancia reflexiva, había comenzado desde los años de posguerra donde el bop devuelve a sus creadores originales el control creativo de su música. Este fenómeno -el desarrollo del bebop en los cuarenta- hace también que un buen número de otros artistas, en desacuerdo con lo que el sueño americano es una vez despiertos, fije su atención en figuras como el guitarrista Charlie Christian (1916-1942), Monk, Dizzy, Miles, los contrabajistas Mingus y Oscar Pettiford (1922-1960) y, sobre todo, Charlie Parker. Necesariamente -como bien lo ha apuntado el estudioso poeta José Vicente Anaya-, una antología sobre el blues y el jazz en relación con la literatura estadunidense no puede dejar fuera textos de autores de la generación beat. Entre otras muchas influencias particulares, el jazz fue clave en su sensibilidad (la escritura automática de Kerouac se explica en los saltos que daba entre la asociación de ideas musicales y literarias siguiendo, a su entender, las técnicas de improvisación de Bird, de Dizzy, del infravalorado saxofonista blanco Lee Konitz (1927). La resultante, según una frase de Ginsberg, era una “prosodia espontánea bop” donde sin obstáculos fluían desde la mente, para ser plasmadas en el papel, las más secretas ideas personales. Los beatescribían para ser oídos además de leídos, así que el paso lógico e inmediato era el de acompañarse en sus lecturas por jazzistas, el de incorporar su literatura al jazz de la misma manera en que querían incorporar el jazz y el hedonismo de la improvisación jazzística a su literatura.

Miles Davis (1926-1991). Foto: Express Newspapers

El universo es amplio y rico en ambos idiomas, desde los acercamientos al jazz de los estridentistas en los veinte y treinta, a lo que han hecho escritores posteriores como Aguilera, Mansour, Fuentes, Gutiérrez Vega, Del Paso, Martínez Sarrión, la uruguaya Mercedes Rein, los colombianos Cobo Borda y Jaramillo Agudelo, el duranguense Ricardo Hernández o Alberto Blanco. Pensemos por ejemplo en textos escritos en inglés como los dedicados a Billie Holiday por Michael Ford o Frank OZHara, sumados a los de Blanca Varela o el colimense Víctor Manuel Cárdenas. Hay homenajes a Satchmo lo mismo de Carpentier que del chileno Gonzalo Rojas, el catalán Salvador Espriú o los estadunidenses Norman Wienstein y el crítico de jazz metido a novelista Nat Hentoff. Recordemos a Parker en lo escrito por Owen Dodson o por Félix Grande; sírvanos la mención del saxofonista que inspiró a Julio Cortázar su perso-naje Johnny Carter en “El perseguidor” para señalar que este relato fue recogido por la antologadora estadunidense Marcela Breton en el libro Hot and Cool (Jazz Short Stories), publicado en Nueva York en 1990. La nueva antología incorpora también a los escritores nacionalizados canadienses Michael Ondaatje, autor de Coming Through Slaughter, novela basada en el cornetista Buddy Bolden, y Josef Svorecky, autor del libro El saxofón bajo (las desventuras del jazz bajo el nazismo): “Exhalé suavemente… Soplé en la embocadura, mientras deslizaba los dedos por las llaves; lo que emergió de aquella panza, grande como una bañera, fue un sonido cruel, hermoso e infinitamente triste.” Mucho más hay. Basta querer oír, leer: ¿Dónde termina Todo se escucha en el silencio?… ¿Dónde y cuándo la música, ese “melancólico alimento”, grita Traveler en Rayuela, “para los que vivimos de amor”?

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El nombre Almandrade – en realidad el artista se llama Antonio Luiz M. Andrade – está asociado a una singular estrategia dentro de lo que se llama arte contemporáneo. El artista plástico, poeta y arquitecto ha producido una obra que se encamina hacia una estética minimalista, hacia una poética que se expresa utilizando un vocabulario mínimo, ya sea pictórico o linguístico. Almandrade es uno de los principales nombres de la poesía visual de Brasil de los años 70.Según Nicolás Bernard, la ciudad de Bahía, en Brasil tiene sus supersticiones y sus sorpresas culturales, entre ellas Joao Gilberto y Glauber Rocha y por qué no, se pregunta, Almandrade. En definitiva, un artista que viene sorprendiendo desde hace treinta años con el rigor, la sutileza y la coherencia de trabajar con distintos soportes seguido por una tradición de un saber singular.

ALMANDRADE: Três poemas do Mínimo Visual

Prof. Dr. Jayro Luna

Comento aqui três poemas visuais de Almandrade, poeta visual brasileiro que vem se destacando pela sua produção de qualidade teórica e estética no âmbito da poesia de vanguarda.

O nome do poeta já conota toda uma estratégia poética. Antônio Luiz M. Andrade, cujas iniciais formam A.L.M.A., daí o compósito “Almandrade”. Mas esse é o país dos “andrades”: Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Carlos Drummond de Andrade… Destaco que “Almandrade” lembra também o proparoxítono “Sousândrade”. Assim temos uma reunião de nomes de poetas marcados pela irreverência, pela ousadia e, principalmente, pela radicalidade da invenção.

Num verbete do site “Expoart”[1] li acerca de uma estratégia minimalista nos poemas que aqui comento. De fato, é possível perceber uma economia de meios nos poemas que apontam para um processo centrípeto de síntese que une significado e significante no código verbal de tal forma que os aspectos visuais do grafema se destacam como elemento significativo semântico e estético do poema.

O primeiro poema que comento é “HomeMulher”. O poema se forma da justaposição do “M” final de “Homem” com o “M” inicial de “Mulher”. O “M” é destacado no tamanho e na forma, constituindo-se duma linha fina que ocupa todo o espaço central do poema.  De um lado fica o semema “Home” – significando casa, do inglês – do outro “ulher” que pode ser dividido em “ul / her”, parte de terminação sufixal do inglês (beautiful, wonderful, spoonful) e pronome. Os sememas dos extremos formam “home her”, o que confere um sutil domínio do feminino sobre o masculino, domínio que ainda se desdobra no âmbito dos grafemas/fonemas, uma vez que o “H” inicial de “Homem” não tem som nessa palavra, mas forma um dígrafo sonoro em “muLHer”, por sua vez, o “M”, grafema da união das duas palavras e que inicia a palavra “mulher” aparece duas vezes em “hoMeM” com forte significância sonora. Assim esse “homeMulher” não é apenas a união de “homem” e “mulher”, mas é também a feminilização do masculino, mais do que a “masculinização” do feminino. Lembramos aqui, do mito adâmico de caráter esotérico, gnóstico, que conferia ao ser humano primordial a condição de ser “homem” e “mulher” e que após a separação dos sexos surge a constante busca de um no outro.

O segundo poema que comento é “Seios”. Nesse poema o “i”, bem ao centro da palavra é destacado em tamanho tal que separa o espaço do poema em duas partes. De um lado “se”, de outro “os”. O “i” é o espaço entre os “seios”, estes, por sua vez, configurados pelas formas das linhas sinuosas e curvas das letras “s” e “o”. Os sememas “se” e “os” formam o início de uma frase condicional, interrompida: “se os…”. O condicional é o elemento que qualifica, por um lado, o poema. Os “seios” representam a concretização de possibilidades condicionais. Podem significar maternidade, mas por outro lado, sensualidade e desejo. O “i” cortando espaço e sendo formado por dois segmentos de reta, um menor e superior para representar o “pingo” e o outro, maior, para o corpo da letra, sugerem um zíper a ser aberto, para que se possa ver por sob a camada da palavra/roupa a coisa concreta que ela representa. Lembro que quando trabalhava de auxiliar de escritório um dos pequenos truques que fazia na máquina de calcular era digitar o número 50.135 e virando a máquina ao contrário se podia ler no mostrador a palavra “seios”, Almandrade faz aqui algo mais intenso e poético. Não inverteu a posição, mas destacou um elemento formal que estava ali na palavra, oculto, impregnado pela visão mecânica de leitura linear.

Em “Voz” – terceiro poema – o “o” é dimensionado para parecer um enorme balão ou ovo, dentro dele um balão de comics, de linhas retas (um quadrado) em que se lê/vê inscrito a letra “x” vazada. A voz assim se constrói pelos balões, é a fala representada nos quadrinhos. O “o” surge como uma janela, uma abertura dentro da significância da palavra, uma abertura para a visualidade e esta, por sua vez, materializa a representação da “voz” pelo balão. O contraste entre círculo (“o”) e quadrado do balão conota uma das mais teóricas discussões da geometria matemática e da esotérica: a curvatura do círculo. A fala “x” é o mistério, o enigma que no poema é a relação entre palavra e coisa, significante e significado, forma e conteúdo. Notemos ainda que a seqüência v/x/z sugerida na leitura do poema corresponde às três últimas letras do alfabeto português até tempos recentes quando as letras “k, w, y” foram consideradas como letras estrangeiras. O “x” que falta para dar significado à seqüência e formar uma palavra é o “o” imenso, cuja dimensão mais concretiza visualmente o sentido da palavra.

Almandrade consegue assim, economicamente, sinteticamente, revelar o que estava oculto, mas visível na palavra. Oculto porque não se via o que está lá para ser visto antes de ser lido. Num texto acerca da poesia de Wlademir Dias-Pino, Almandrade[2] escreve algo que também bem pode se referir aos seus próprios poemas:

“A mão do poeta inventa e relaciona imagens, mobiliza o pensamento de quem olha na busca de uma história, ou melhor, de uma pré-história das artes gráficas e sua poética. Uma performance da visualidade que viaja no tempo e exige de nós uma contemplação provocante.”

.

Almandrade nos oferece com seus poemas uma “performance da visualidade” que exige sem dúvida do leitor uma atitude de “contemplação provocante”. A economia de meios se por lado indica uma poética minimalista, doutra parte é também uma síntese complexa de elementos, seus poemas são quase como pantáculos, chaves poéticas que o iniciado deve analisar sob vários ângulos e possibilidades de estratos: fônicos, semânticos, semióticos, lingüísticos, geométricos, etc. para poder no âmbito das relações dessas possibilidades ver a dimensão e o alcance simbólico ali contido.


[1] El artista plástico, poeta y arquitecto ha producido una obra que se encamina hacia una estética minimalista, hacia una poética que se expresa utilizando un vocabulario mínimo, ya sea pictórico o linguístico. Almandrade es uno de los principales nombres de la poesía visual de Brasil de los años 70.( www.expoart.com.br/almandrade).

[2] O texto se intitula “A Leitura Como Objeto de Olhar” e o recebi do autor via e-mail.

Relatos de la Independencia y la Revolución.

19 de mayo, 20:00 horas. Centro Cultural Universitario Caja Real.Taller de Oralidad Artística y Cuentería bajo la dirección de Ana Neumann.

Entrada libre. San Luis Potosí, S.L.P.

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Museo del Pueblo de Guanajuato, Positos No.7, a un costado de las escalinatas de la Universidad de Guanajuato.
Del 18 de Mayo al 25 de Junio 2010

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Av. Alcanfores y San Juan Totoltepec s/n , Naucalpan, Edo. de Méx.

BOLETIN DE PRENSA NO. 14/10

Asunto: Actividades culturales de de la tercera semana del mes de mayo de 2010

Por este conducto informamos a Ustedes de los espectáculos y actividades culturales que tenemos programados para la tercera semana del mes de mayo.

EXPOSICIONES

“Federico Silva celebra los 35 años de Acatlán”. Exposición plástica y gráfica del Mtro. Federico Silva, quien aprendió las técnicas de encáustica, fresco y temple de manera autodidacta, fue asistente de David Alfaro Siqueiros en algunos de sus murales y se relacionó con los artistas de esa época Rivera, O’Higgins, Leopoldo Méndez. Dueño de una gran inquietud creativa, busca otros lenguajes y a principios de los años sesenta, aborda la escultura y se le considera el precursor del Arte Cinético en México. Impulsó la creación del espacio escultórico en el UNAM en 1977. Hasta el 4 de junio de 2010.  Sala de Arte Javier Barros Sierra.  Entrada libre.

“Reflexiones” Salvador Sánchez Michel. Muestra fotográfica que reúne formas caprichosas de nubes en distintas horas del día: amaneceres, atardeceres, que evocan y transmiten serenidad. Del 11  al 28 de mayo. Inauguración 11 de mayo, 12:00 h. Unidad de Seminarios en Educación Continua. Entrada libre.

DANZA

LO QUE RESTA” DANZA JOVEN DE SINALOA (DJS). Dirección Artística: Georgina Gutiérrez Tabaco con los bailarines: Marilú Carrasco, Sandra Vargas, Edylin Zataráin, Jonathan Castillo, Víctor González, Carlos Zamora. Es una producción del Instituto Sinaloense de Cultura. Este grupo nace en 2007 por iniciativa del Gobierno de ese Estado con los objetivos de promover, difundir y educar a través de la danza. Se ha presentado en diversas entidades del país como Veracruz, Michoacán, Coahuila y el DF, en importantes Festivales de Danza con coreografías de Montserrat Payró, Adriana Castaños, Alonso Alarcón, Mauricio Nava, Carmen Werner, Jaime Camarena, Talya Sato. “La danza para la DJS es como un tejido orgánico donde no hay mensajes en el sentido ordinario, en todo caso hay señales, signos, claves para ser descifradas por el espectador, algunas literales, otras abstractas, unas a partir de emociones, otras de una idea, unas más teatrales, otras más físicas…así el cuerpo entrenado del bailarín en complicidad con el coreógrafo reacomoda, reinventa, cambia el ángulo de nuestra mirada sobre la cotidianidad y subvierte nuestro concepto de lo conocido. Evento organizado en colaboración con la Coordinación de Difusión Cultural UNAM, la Dirección de Danza de la UNAM y la CDC Acatlán, en el marco de la conmemoración de los 35 años de la FES Acatlán. Solicita tus boletos de cortesía en la Coordinación  de Difusión Cultural. Única función: 11 de mayo, 18:00 h. Teatro Javier Barros Sierra. Cupo limitado. Solicita tus boletos de cortesía en el Aula 3 del Centro Cultural Acatlán.
“Compañía de Danza Regional Atzimba”. Dirección Salvador Ortiz. Este evento se pospone hasta nuevo aviso.

“Four 4 Rooms” Director y coreógrafo: Vicente Silva Sanjinés y las bailarinas Sheila Rojas, Perla López, Alejandra Barreto, Tzitzi Benavides. Coreografía para cuatro personajes femeninos que se desarrolla en una monumental escenografía. Cuatro habitaciones, rodeadas de frialdad, soledad sincera e incondicional. Es un trabajo que transporta, allende las fronteras de la imaginación del espectador, una realidad que rebasa lo ficticio. Donde las protagonistas son mujeres, habitaciones y soledades, el contacto con una realidad a cuatro cuartos, retrospectiva de un mundo posible e imposible, a través de la ejecución de solos, duetos, tríos, unísonos, iluminación, y música. Tú ya no llegas, ya no te vas. Pronto que sea noche para estar contigo y si amanece y tú no estás aquí, haré un nudo en mis agujetas para perseguir tus siluetas. Evento realizado en colaboración con la Coordinación de Difusión Cultural UNAM, la Dirección de Danza UNAM y la CDC Acatlán, en el marco de la conmemoración de los 35 años de la FES Acatlán. Tres funciones: 19 de mayo, 18:00 h, 20 de mayo, 13:00 y 18:00 h. Teatro Javier Barros Sierra. Cupo limitado Solicita tu boleto de cortesía en el Aula 3 del Centro Cultural Acatlán.

MÚSICA

“Saravá” Excepcional grupo de bossa nova fundado en 2006 por Diego Avendaño (voz y guitarra). En la agrupación también participan Bruno Cruz (saxo y flauta traversa); Christian Bernard (piano); Jorge Luis Méndez (piano); Raúl Campos (batería); Mario Vargas (batería); Daniel Vampiro (percusión); Arturo Báez (contrabajo); Flor Gamboa (bajo); Omar Anguiano (contrabajo) ;Pablo Wong (flauta traversa) y  Ernesto Ramos (saxo).

Saravá es una propuesta vocal de bossa nova, jazz y otros géneros de la música brasilera. Su nombre es en homenaje al poeta y músico brasileño “Vinícius de Moraes”, por ser “Saravá!” la expresión que él usaba para saludar al público. Agrupación que destaca por la interpretación de obras compuestas por los grandes maestros de la música brasilera, como son: Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, Toquinho & Vinicius de Moraes, Dorival Caymmi, Caetano Veloso, Chico Buarque, Djavan e Ivan Lins. Actualmente mantiene sus actuaciones regulares en el Distrito Federal y extiende su programa de conciertos en los diferentes estados del país.  Se ha presentado en el Centro Nacional de las artes (México D.F.), Teatro Principal de Guanajuato, Festival de Jazz Meridiem (D.F.),  Comemoração da independência do Brasil (D.F.), Concierto en IMER (trasmitido en directo por FM Horizonte), Concierto en Hotel Carlton Ritz Cancún (Quintana Roo) invitada especial Magos Herrera. Evento organizado para celebrar el Día del Maestro en Acatlán y conmemoración de los 35 años de la FES Acatlán.. Única función: 13 de mayo, 13:00 h. Teatro Javier Barros Sierra. Cupo limitado. Solicita tus boletos de cortesía en la Coordinación de Difusión Cultural Acatlán.

“Cuarteto Redes”. Agrupación integrada por los violinistas Carlos Lot y Ewa Tursanska, en la viola Érika Ramírez y el violonchelista Carlos Castañeda, desde su creación, en 1997, el Cuarteto Redes interpreta un repertorio que va del período clásico hasta la música del siglo XX. Se ha presentado en diversas salas de la Ciudad de México y ha ofrecido conciertos a través de Opus 94 del IMER, instituto que lo designó “Cuarteto del Año”, en 1997. El compositor mexicano Joaquín Gutiérrez Heras ha recomendado y autorizado al conjunto la grabación de su música.

Se ha presentado en diferentes festivales de importantes ciudades como: Guadalajara, San Luís Potosí, Zacatecas, León Gto. Guanajuato (Festival Cervantino), Chiapas, así como en el festival de primavera de La Habana en Cuba en el año 1998 e igualmente ha participado en performances con diferentes intérpretes de género comercial y grabaciones especiales para la televisión mexicana. Durante el año 2003, este cuarteto se sumó al proyecto musical de un grupo mexicano de blues con el cual dio varios conciertos en las ciudades de Los Ángeles, Atlanta y Chicago. Evento organizado en colaboración con la Coordinación de Difusión Cultural UNAM y la Dirección General de Música. Única función: 18 de mayo, 13:00 h. Auditorio II Miguel de la Torre. Cupo limitado. Solicita tus boletos de cortesía en el Aula 3 del Centro Cultural Acatlán.

Programa

CONCIERTO DIDÁCTICO

  • Geor  Friedrich Hendel/ Arr. Ralph Matesky  “Sonata en sol menor op. 2, para 2 violines, cello y continuo. Largo. Allegro”
  • Ricardo Castro “Minuet opus póstumo”
  • Wolfgang Amadeus Mozart  “Divertimento numero 3 F DUR 138. Allegro”
  • Antonin Dvorák “Cuarteto No. 6 en Fa mayor Op. 96 “Americano”. Allegro ma non troppo”
  • Astor Piazzolla/ Arr. L Roitman “Adiós Nonino”
  • Mario Ruiz Armengol/ Arr. Gustavo Martin M.  “A mi Veracruz”
  • Leroy Anderson/ Arr. William Zinn  “Jazz Pizzicato”

TODA LA PROGRAMACIÓN ESTÁ SUJETA A CAMBIOS SIN PREVIO AVISO

Para cualquier aclaración sobre nuestras actividades, favor de comunicarse a los teléfonos  56-23-15-55 y 56-23-15-56, de lunes a viernes en horario de oficina.

ATENTAMENTE

COORDINACIÓN

DE DIFUSIÓN CULTURAL ACATLÁN

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Queridos amigos:


Les compartimos una entrevista con el maestro pintor Antonio Sobarzo. De cervezas en un billar de Tacubaya, la conversación gira en torno a la identidad del artista y que tan relacionada está con su obra. La música de Lila Downs, y los corridos norteños. Y por supuesto el Kitsch en el arte; ya sea este glamoroso y una construcción sofisticada dentro del mainstream, o folk, a partir de creadores naif que priorizan lo utilitario. ;”)

Enviamos los links al video y el “caption file”.

Esperamos disfruten este video y nos envíen sus comentarios.

Abrazo.

Iris Atma

Kitsch Glam o Folk *Subtitulada

[IRIS ATMA *TV]

0:00:03.000,0:00:08.000

>> ISMAR:  Bienvenidos. Soy Ismar, hoy les voy a presentar una entrevista que tuvo Iris Atma con el pintor Antonio Sobarzo. Chequenla.

0:00:09.000,0:00:10.000

>> ANTONIO: ¿Qué tal, eh?

0:00:11.000,0:00:12.000

[IDENTIDAD Y OBRA]

0:00:13.000,0:00:20.000

>> IRIS: Creo que el actor cuando interpreta papeles muy fuertes se enfrenta a leyes kármicas.

0:00:21.000,0:00:25.000

>> ANTONIO:  Sí, porque, es decir, yo creo que en el caso de un artista es muy difícil disociar la chamba de la identidad.

0:00:26.000,0:00:29.000

>> La identidad del sujeto es la obra también.

0:00:30.000,0:00:33.000

>> IRIS: Con la energía de su obra.

0:00:34.000,0:00:45.000

>> ANTONIO: En el caso de un contador, por ejemplo:

Imagínate el pobre tipo que se pasara todos los días haciendo contabilidad, que un día llegara a la casa contando, a su esposa, a los hijos, ¡que se yo!

0:00:46.000,0:00:50.000

>> IRIS: Y cuenta cuántas veces besó a su mujer y cuantas se cogió a su mujer.

0:00:51.000,0:00:53.000

>> ANTONIO:  Anda por ejemplo, lo que sea,

0:00:54.000,0:00:58.000

>> IRIS: Las matemáticas matrimoniales del contador. Da para un corto.

0:00:59.000,0:01:03.000

>> ANTONIO:  Exacto. Entonces, sería triste, ¿no? porque habría una fusión de cosas.

0:01:04.000,0:01:08.000

>> Digamos que para la parodia que imaginas, ¡chévere!

0:01:09.000,0:01:11.000

[LA LILA DOWNS]

0:01:12.000,0:01:37.000

>> ANTONIO: Hay un disco que me gusta mucho porque creo yo que resume esa atmósfera.

Del drama, creo yo que la música mexicana es muy dramática.

Claro, te haces el harakiri ahí mismo, sí, esta bien rudo,

pero esta bien rudo, pero está muy chingón…

0:01:38.000,0:01:43.000

>> IRIS: Necesitas esa catharsis, somehow, somewhere.

0:01:44.000,0:01:54.000

>> ANTONIO:  ¡Claro! Pero creo yo que aquí en México así es; la botella de tequila, la mesa de la cantina, y la rocola con la Lila Downs o un mariachi dramático.

0:01:55.000,0:01:59.000

>> IRIS: Y te la curas te la curas, porque te la curas, escupelo, escupelo, vomitalo.

0:02:00.000,0:02:03.000

>> ANTONIO:  Es una catarsis, es una catarsis.

0:02:04.000,0:02:07.000

>> IRIS:  Sí, la Lila Sirve, pero a veces tu organismo no lo aguanta, si estas bien dolido, no creo que sea lo más sano.

0:02:08.000,0:02:11.000

>> ANTONIO:  Sí, está bien rudo. Ah, no pues no.

0:02:12.000,0:02:15.000

>> IRIS: Así como seguirle echando sal a la herida

0:02:16.000,0:02:19.000

>> ANTONIO: Ni siquiera sal;  alcohol puro

0:02:20.000,0:02:23.000

>> IRIS: Vinagre.

0:02:24.000,0:02:27.000

>> ANTONIO: Uno tiene que tomarlo con más calma.

[Risas]

0:02:28.000,0:02:30.000

[ARRIBA EL NORTE]

0:02:31.000,0:02:35.000

>> ANTONIO: Que me encanta y tiene toda esa onda del norteño.

0:02:36.000,0:02:39.000

>> IRIS: Ah, ¿sí?

0:02:40.000,0:02:54.000

>> ANTONIO: Pero esta música que son versiones como de Camelia la Texana.

El corrido me encanta, hubo un tiempo que me la pase escuchando un programa en radio UNAM que se llamaba “Arriba el norte”.

0:02:55.000,0:02:59.000

>> IRIS: ¿Y te gustan los narco corridos?

0:03:00.000,0:03:10.000

>> ANTONIO: También. Es que yo la lo veo casi como un asunto de folclor. Todo el narco todo ese rollo lo veo como folclor.

0:03:11.000,0:03:13.000

[KITSCH; GLAM O FOLK]

0:03:14.000,0:03:26.000

>> ANTONIO:  Hay una vertiente del kitsch hipersofisticado. Por ejemplo las fotos de Pierre and Gilles.

0:03:27.000,0:03:31.000

>> IRIS: Y tocan las campanas.

0:03:32.000,0:03:39.000

>> ANTONIO: ¡Jajaja! Por ejemplo; las fotos de Pierre and Gilles; es una construcción, una proyección, muy sofisticada.

0:03:40.000,0:03:45.000

>> No me atrevería a decir que es kitsch folk.

0:03:46.000,0:03:50.000

>> Te voy a dar un ejemplo de folk a través del papá de un amigo mío, que estudia conmigo.

0:03:51.000,0:03:53.000

>> IRIS: okey.

0:03:54.000,0:04:08.000

>> ANTONIO:  Aquí te va: Dice que agarró un neumático, lo cortó, lo amarró con alambre, lo pinto de amarillo

0:04:09.000,0:04:19.000

>> y lo convirtió en maceta. Ya con eso le ganó a Warhol, le ganó a varios, y ahí si tienes un kitsch folk.

0:04:20.000,0:04:34.000

>> Buena parte del arte gringo, que no es arte de museos ni galerías, no sé si tu sabes que hay una gran corriente de arte de gente nunca estudió arte,

0:04:35.000,0:04:44.000

>> totalmente naif, y hacen un arte kitsch maravilloso y folk.

0:04:45.000,0:04:51.000

>> IRIS: ¿Lo que puede ser la frontera entre un kitsch folk y un kitsch glamoroso es la sofisticación del discurso?

0:04:52.000,0:04:55.000

>> ANTONIO:  Claro y la intencionalidad que le das

0:04:56.000,0:05:00.000

>> IRIS: Más folk mientras más utilitario, menos folk mientras más sofisticado y menos utilitario.

0:05:01.000,0:05:02.000

>> ANTONIO:  Claro.

0:05:03.000,0:05:05.000

[IRIS MIELECITA KITSCH]

0:05:06.000,0:05:08.000

>> IRIS: Yo soy menos folk,

0:05:09.000,0:05:11.000

>> ANTONIO:  Definitivamente

0:05:12.000,0:05:14.000

>> IRIS: Yo no tiendo a ser demasiado utilitaria

0:05:15.000,0:05:24.000

>> ANTONIO:  No, para nada, tú estas en la otra frontera porque si no lo estuvieras no estarías preocupada a lo mejor de una convocatoria para una beca, o de algo por el estilo.

0:05:25.000,0:05:29.000

>> IRIS: Claro, porque podría vivir de la utilidad de mis producciones.

0:05:30.000,0:05:47.000

>> ANTONIO:  Es más ni siquiera te preocuparía esa parte, porque tú estarías viviendo de otra cosa por completo distinto.

Entonces creo yo de ahí nace el asunto del kitsch que se vuelve folk es producto de la gente que no roza el arte como una institución.

0:05:48.000,0:05:56.000

>> IRIS: El kitsch como arte generalmente es más glamoroso y tiende a canales internacionales, a la inutilidad de la obra.

0:05:57.000,0:06:03.000

>> ANTONIO:  Por lo tanto tu imagen es más importante que el producto que realizas.

0:06:04.000,0:06:06.000

>> IRIS: ¡Claro!

0:06:07.000,0:06:09.000

>> ANTONIO:  Definitivamente

0:06:10.000,0:06:16.000

>> IRIS: Salud. Of course, por eso escojo muy bien mis orejas de conejo, o de gato.

0:06:17.000,0:06:20.000

>> ANTONIO:   Tus pelucas, la ropa, todo.

0:06:21.000,0:06:23.000

>> IRIS: Sí, es una construcción

0:06:24.000,0:06:23.000

>> ANTONIO:  Es una construcción.

0:06:24.000,0:05:26.000

[IRIS *Intuición]

0:06:27.000,0:06:46.000

>> ANTONIO:  Y por eso que Iris no puede decir, a ver dónde está la tarjeta para marcar horario, ponerla ahí en la maquinita.

A ver, ya salí de la chamba.

Iris no puede hacer eso, Iris necesita…

0:06:47.000,0:07:04.000

>> IRIS: My clock gets crazy.

Creo que el loco y yo somos muy buenos amigos, el loco como el loco de Alicia, el Sombrero, el loco como la carta del Tarot, como símbolo del intento neutro;

a veces intento cosas y no tengo la menor idea.

0:07:05.000,0:07:38.000

>> Sí hago el ejercicio de una crítica racional que en algún momento analiza que tan identificada o no estoy con el proyecto,

que tan complejo, folk, urbano es, y todos los análisis que se te puedan ocurrir de una obra. Pero la verdad, no sé como te pasa a ti;

cuando yo elijo este video por esto y esta acción y esta ropa, es súper intuitivo.

0:07:39.000,0:08:03.000

>> ANTONIO:  Yo no lo dudo. En lo más mínimo.

Justamente esto que tu dices que es muy intuitivo, que curioso:

Hoy día al artista se le exige que escriba, teorice, que procese mucha información.

0:08:04.000,0:08:09.000

>> IRIS: Y en varios idiomas, y por varias redes sociales.

0:08:10.000,0:08:17.000

>> ANTONIO:  Además, no tan sólo en el facebook, y además ¿sabes qué creo?

0:08:18.000,0:08:29.000

>> Que la mayoría de los buenos artistas muchas veces no siempre son absolutamente conscientes de su proceso, ni de lo que realizan.

0:08:30.000,0:08:41.000

>> Y además, como una confirmación a lo que tú dices.

0:08:42.000,0:08:50.000

>> es que además cuando un artista es tan consciente de lo que hace, estoy casi seguro que no lo haría.

0:08:51.000,0:09:03.000

>> El asunto de crear consiste justamente en no saberlo, porque si lo supieras

¿qué sentido tendría hacerlo?

0:09:04.000,0:09:09.000

>> IRIS: Lo quisiera entender como el arte como un proceso de revelación, iluminación, de aprendizaje, de comprensión,

0:09:10.000,0:09:25.000

>> de expandirte a través del proceso, de descubrir ,de crear, de preguntar

y que tienes como artista que hacer eso y estas llamado a hacer eso porque es una lección para ti

y no tendrías que hacerlo si ya hubieras superado ese aprendizaje.

0:09:26.000,0:09:29.000

>> ANTONIO:  Exactamente. Esta chido, ¿eh?

0:09:30.000,0:09:36.000

ISMAR >>  Bueno chicos, espero que les haya gustado, me despido, hasta luego. Bye

0:09:37.000,0:09:42.000

INGRID >> And please remembre to subscribe, comment and rate.

Good Bye.

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Un pájaro en lo alto,
en lo más fino
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nervioso, breve, tan liviano

como un soplo de luz,
está cantando
su propia levedad,
la maravilla
de su increíble ser

………………….su pura vida
minúscula, perfecta, iluminada.

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